有没有原研哉的学生可以谈下“日本的平面设计水平为什么这么高”？

日本为什么在各种艺术方面出大师的原因，我试着思考了一下。第一个我想到的就是整个社会的宽容度。没人会告诉你你毕业之后需要干什么，虽然大部分还是会选择就职，但作为读艺术的我的同学们，其中有一撮人已经明确表示了不想就职，可能有些人会觉得小屁孩儿都是理想的，以后还不是都要被现实压低腰，那我讲一些我身边的例子吧。

第一个就是我们学科正在读研的一个学长Sakasita，他出身北海道大学医学部（日本排名前3的大学），拿着年薪2000w的工资在东京的一所医院做医生，现在已经30岁了。你要问我一个医生怎么成我学长了？他本人说因为原研哉老师的书，让他了解到了自己原来真正想做的是设计，就毅然跑来考了研究生，一边当医生一边读书，但毕竟医生和设计师都忙，他为了自己的设计梦，和交往了多年的女友不得已分手。前几天和他一起喝酒，说现在准备辞掉工作，接下来去瑞士深造，将来要成为一个产品设计师。

还有一个50岁的大爷和我修同一个摄像课，还有一个已经工作了3年的普通上班族，说为了继承自己家里的特产店，又重新来读设计。还有一个学长毕业就回长野种田去了，听说种的米卖的蛮好的。在日本没有人觉得奇怪，这就是我生活日常的一幕。一个社会只有多元性和宽容性，它才是一个健康的社会。我们读设计并没有人说我们以后就一定要工作，一定要进一个公司，我们的选择都是被尊重的，错了可以再来，时间过了就没有了。

第二点就在于美术教育这一块了。

我们学校鼓励的是独特性，创造性。通过高密度的课题和评讲来一步步逼疯我们，时时刻刻提醒着我们艺术生的身份。教授的安排也全部都是几乎是在职的专业设计师或者艺术家。讲座和上课都像是一次次的思想洗脑，你会渐渐意识到作品的深意，我们意识到一个设计师真正厉害的地方就在于能通过自己的说明，来让对方真的喜欢上自己的作品。而这个国内的学生又有几个能做的好？原研哉跟我们说“presentation is design”。很大的原因就在于我们从一开始进入学校的时候，就是真正从根源的问题和观察来做作品，而不是为了某个结果而做设计，也不是像国内的大学一样，一进去就教PS。我们进大学的第一课就是一个月做一本册子，从选题，制作，摄影，排版全部由自己完成。然而大部分人连碰都没有碰过PS。

我自认为在国内混过一年，技术上一定不输，结果他们的作品令我无地自容。要问为什么突然布置这么重的课题呢？估计教授觉得PS这种东西稍微学学就会了，再加上以后工作了，多的是我们从来没有碰过的东西，短时间内学习，对设计师来说是一门必要技能。然而一个月做册子这种小Case的课题，到现在根本就不值得一提。每个星期通宵两天就是日常。我的时间表基本可以在6月就排满了7月的，同学之间约吃饭基本都会具体到在下个星期某一天的某个时间段。地狱般的日子从我们进入大学一开始就持续到最后一年，我打工的地方一听说我是美大生，都过来安慰我……

可能国内的话在大一都是见不到教授的，但我们开学的第一节课就是由原研哉老师来教的设计论。基本所有的课都由教授亲自来。并且他们从来不会以一个作品的PS水平高来评估好坏，所有的作品评奖都要先听我们的自我展示。点子够有趣，发现问题更独特的往往评价很高。

第三点就是设计这个领域的自豪感。

整个日本是尊重艺术家，尊重设计师的。其实在原研哉年轻的时候日本社会还不是这样的，后来他们联合起来办展览办讲座，将设计带入生活，向社会发出自己的声音，并取得了相应的成就，之后才得到了现在的地位。一般依赖主不会过于插手设计师的工作。但另一方面，我们的教授们的严格要求也会让我时时刻刻的意识到自己离专业设计师还有多遥远。柴田老师教的产品课光是最后的照片我们就重拍了10遍以上。日本人管这叫“プロ意识”（专业精神），因为感觉到自己的渺小和理想的遥远，才会让我们更加用心的深造，所以客户才会信赖设计师吧，与其说是信赖设计师，不如说是信赖这个行业。

在日本的普通大学生都不会怎么搭理艺术生。因为我们的怪，而这个怪才是我们真正迈向艺术从业者的第一步。我们看世界的眼光不同，我们思想的不同，我们考虑的不同，我们生活方式的不同，这才能导致我们做出作品的独特性。大学所培养的就是这个独特性。设计与艺术一样，一旦你落入了俗套，你就失去了成为一个真正独立而长久的设计师的资格了。这就是为什么国内的设计师说什么到了50岁江郎才尽，而日本的设计师越老越牛逼，立身之根本不同。设计和艺术是一样残酷的世界，你要想做个普通人，你就放弃设计吧。

作为设计师我们需要学习的是什么呢？第一就是我前面提到的独特性，你可以变的怪，你要下定决心，走这条路，你的朋友可能就会离你而去，你得和孤独相处，你会很多东西背道而驰，你不能再成为一个好好先生，我身边的日本朋友很多都有这个觉悟了，“选择了设计都是选择了自己的一生”。第二就是如何倾听用户的要求，然后和自己的风格做融合的的技巧，很多人才是跟紧当下之风，跟着流行走，跟着客户走，最后一定被流行抛弃，被客户当成技工。

日本著名时装设计师三宅一生因癌症去世，他留下了哪些令人印象深刻的作品？

摘要：

时装用来表达人们对服装潮流的追求,对新的审美的认同,对自我个性的表达,反之也通过视觉上的认知,和对类似设计的反复观看形成自我的新的审美趣味,服装包含着潮流的含义的时候,创新对于服装的设计显得尤为重要,在这样的时代背景下,日本服装设计师川久保玲的设计持续了三十多年时间后,仍然饱含着与众不同的创意灵感,将传统美学与当代艺术相结合,突破服装本身的局限,不断探索设计当中的可能性,她的设计从从未有过或从未尝试的角度出发,具有未来性与前瞻性,使设计走在了时代的脚步之前。服装的设计是对服装外观造型的设计与对服装为人所表现的精神风貌的设计,因此服装本身所具有的内涵意义也尤为重要,通过对川久保玲设计主题的分析研究提出对当代服装设计中服装内涵的探寻与发展,从维度的角度探讨服装设计创意创新的意义,并在实践过程中对设计进行逐步解析,从中国传统纹样中获取灵感与设计元素,将传统与现代相结合,探索设计过程中所展开的可能性与创意性,通过服装传达中式哲学思想内涵与韵味。?：

关键词：川久保玲；时装周;潮流服饰

正文：

川久保玲的生平介绍

她，非科班出身，从一开始根本不懂服装设计直到后来变成引领时尚潮流的设计师之一；她，有着强悍独立的个性——她就是川久保玲。?川久保玲是一位出生于日本东京的服装设计师，毕业于庆应义塾大学。1973年，在她31岁时在东京建立了自己的公司，并向世界展示了这一种革命性的新型穿衣方式。在1980年代前期，她以不对称、曲面状的前卫服饰闻名全球，受到许多时尚界人士的喜爱，从那开始，她便一直在为实验而奋斗，永远创造着比时装界流行超前得多的原型和概念服装。在日本的知名服装设计师当中，川久保玲也是少数几个未曾到国外留学，而且未曾主修过服装设计的特殊设计师。?川久保玲的父亲是庆应大学教授。她在大学时代就对美术产生了浓厚的兴趣。1967年毕业之后，她到一家服装布料公司上班，并在1969年正式独立成服装设计师，1973年她成立了一个服饰品牌，名称为“Comme?des?Garcons”，法文译为“像个男孩”；1975年，川久保玲33岁时，正在在东京举行首次的女装发表会。1978年这个品牌开始有男装，称为HOMME。1981年，川久保玲第一次在巴黎时装展举行发表会，此时她开始受到全球时装界的注目，隔年，她的服饰有了一个简单的昵称，称为“乞丐装”；并引领1980年初期宽松、刻意的立体化、破碎、不对称、不显露身材的服装设计潮流。这一场发表会的设计灵感据知来自于日本美学中的不规则和缺陷文化。她的创作概念和特色引起了不少时尚评论家的争议，也带动了后进设计师的服饰设计。1983年，川久保玲获得每日新闻时尚设计奖，1987年，获得美国时尚技术学院的荣誉学位。现如今，她也是20世纪女性服装设计师中十分重要的人物。

川久保玲的设计分格

?就如同川久保玲所说的“穿着即使你的自由。”尽管可能对极致的理想状态持悲观态度，她却从未将植于内心深处的感官体验向任何人妥协，而是一次又一次的让最敏感的触角渗入下一个主题灵感，忠于自我的态度毋庸置疑的是贴在川久保玲身上的鲜明标签。在设计风格上完全不同于世纪传统服装的延续，川球保玲的破旧立体剪裁不对称等作品令人印象深刻，蕴含着属于东方的禅机与思想，有些典雅与沉郁，展现了属于东方的哲学味道，一如她本人一般恬静。川久保玲的作品设计风格独创一格十分前卫，融合东西方的概念，被服装界誉为另类设计师，他的设计正如其名，独立自我主张——只要我喜欢有什么不可以。她将日本典雅沉静的传统立体几何模式，不对称重叠式创新剪裁，利落的线条与沉郁的色调，与创意结合，呈现出很意识形态的美感。

川久保玲的设计元素

川久保玲擅长用低彩度的布料来构成特殊的服饰，其中有许多是单件同一色调的设计，比如像黑色。她习惯穿一身黑，留一头不对称的黑色齐肩短发，她觉得黑色是舒适的力量和富有表达的。就比如，黑色、破坏、不对称是COMME?des?GAR?ONS的特有风格，COMME?des?GAR?ONS是西方服饰体系与日本文化的混血儿，在外形上强调平面及空间构成，在结构中融入现代的建筑美学概念，缠绕人体的多层次结构，以及抽象的平面图案设计。川久保玲的构思源头不是来自于穿着的衣服或是装饰衣服的身体，而是设计衣服本身。?川久保玲的作品中还在剪裁中做了新城市皮革西装，被剪除许多镂空透视出打底衬衫的图案，这种油结合惯用黑白格纹表现出的另一番前卫的特别感，十分有新意。是她让我们发现了许多遮盖在高级时装流行外衣之外的许多东西，尽管被大家讽刺讥笑，但经过时光的磨洗，我们不得不收起愚蠢的高姿态，细细的品味出它带来的无穷魅力，在破破烂烂的布片之后，蕴藏着一种对自己的再认识。他也向世界展示了一种具有革命性的穿衣方式，并且坚持的创造比时尚更加超前的原型和概念服装，也可以说是川久保玲把黑色带进了时装设计的领域，并且使之成功的成为时尚的主流色系。?

川久保玲的作品论述

在她的作品中我最喜欢这一套，这套服装是川久保玲在2014春夏巴黎时装周上的一套服装。这套服装让观众们从新认识自我，打破了服装对服饰裁剪制衣的传统束缚。?川久保玲是时装界中实打实的一位创造者，因为她始终坚持着自己特立独行的创作理念；她也是时尚圈最真实的一位设计师，因为她从来没有改变过自己对黑色的钟爱，用黑色塑造了属于她自己的时装王朝。没有立裁人台的创作设计，也没有人体试穿，Rei?Kawakubo通过超越身体轮廓，夸张的重新解读什么是时尚。通过弧度、曲线、圆圈和漩涡呈现3-D立体构成视觉，以黑色裙装礼服出场，夸张的胸衣轮廓链接巨大体积感乔其纱裙摆，呈现波浪形态。“我只是在创作新的东西，并不是以制作衣服为意图。”正如Eleanor?Roosevelt所说：“对时尚的感知是一种自我认知。”川久保玲独特的朋克风格成衣，既独树一帜又与潮流贴合。这一季延续了CDG擅长的各种不对称和新奇的剪裁，皮革质地尤其体现朋克风的凌厉，大胆的印花以及样式各异的格纹叠穿都很有新意。模特吸血鬼似的妆容更给整场秀增加了诡异的氛围感。?

川久保玲的艺术价值

1980年川久保玲首次在巴黎举办展示会，其好友山本耀司也在其中，当时在场的时尚编辑回忆：“在那之前巴黎没有那种黑色、奔放且宽松剪裁的服装，这引起了传统美、优雅与性别的争论。”而山本耀司与川久保玲关心的则是：“我们都认为自己很国际化，但是在国际传媒上仍把我们定位为日本风格。”鬼马天才设计师Alexander?McQueen也曾评价道：当川久保玲设计一个系列，它似乎有些荒诞，不只是对与公众来说如此。但是当你看着一个人像她每一季所做的一样挑战自己，这让你懂得为什么自己最初会置身时尚行业：正因为她这样的人。也正如她自己所说：“时装不是为他人而穿，应该是送给自己”。?山本耀司形容她说：“川久保玲，那个只想杀死秀场里所有脑细胞的女武士，不知道该怎样描述关于川久保玲的一切，曾经有人这样写设计代表：日本则是川久保玲，我猜想她是个心理有着相当阴影，成长岁月不快乐的人。她衣服的理想穿着是个童女，有极端的双重性格，她的渲染处理像梦呓，破戒般的不规则设计、任性、心机、蓄势待发，她的色境是尼僧的灰扑扑，可是心望空门，身在红尘……她像个顽童一样把脚伸出来，让正在飞奔的时尚打了个踉跄，然后自己就走到了潮流的前端。如同她所说的：“如果你要做些东西，就需要把一切归零，那些经验，会阻碍你前行。”?川久保玲是一个谦虚且沉默的设计师。假设以川久保玲和Coco?Chanel对比，两位都是以平等为前提，认为每个女人都应该从自己的衣着得到舒适和自信。不同的地方是，Chanel**改变了女人原本的穿着方式，让女人从华丽不凡走上极简，而川久保玲则扭转女人对服饰的看法。而且川久保玲她并不像大多数设计师一样，用自己的名字命名个人品牌。她始终将设计结果归功于团队，甚至从未把自己当成过设计师或艺术家，只是将制作为人所穿的衣服当做终极目的。?不仅如此，川久保玲设计的时装其实可以用建筑里的解构主义来解释，它起源于上世纪60年代，最初强调的是语言和思想的自由嬉戏，后来这种概念被引入建筑、时装设计等多个领域，简而言之，追求“强调打碎、叠加、重组，反对整体统一。川久保玲在设计中喜欢把服装的各个结构拆开并进行多次重组塑造，让一些人们习以为常、视而不见的细节充满了的新的张力。不难让人联想到解构主义建筑师弗兰克·盖里。在他看来，所谓“完整性”并不在于建筑外在是否具有统一的风格，而是结构里的基本个体应该得到更充分的表达。他的作品往往打破了建筑的固有形态，维特拉家具博物馆就是典型的代表。?川久保玲同时也是一位传统审美的“破坏者”，她的创作概念和思维模式是一种游走在二维和三维空间之间的，极具挑战性和颠覆性的行为艺术。她曾说过：“我的右半脑喜欢传统和历史，左半脑却想将这些规则打破。”所以她的设计对于当时乃至现在都是一股巨大的浪潮，开辟了时尚圈的另一种姿态。她虽然未曾去国外读过书，也没有主修过任何与服装设计相关的课程，但她的想法和对艺术的创新是几乎没有人可以与之睥睨的。她认为只要自己够强大，够自由，就不需要去取悦任何人。她的作品模糊了艺术与时尚的边界，让我们打破常规可以重新思考美的定义。她所设计的服饰并不会像传统服装那样突出或强调性别，像传统的女装通常会强调女性特有的曲线，但川久保玲的则不会，她认为每个人都是平等的，因此她的服装有一种雌雄同体的美。创作令她痛苦不堪，但她却从来没有停下脚步。她的每一次创作都对时尚圈带来巨大反响和对时尚新的探索。

川久保玲的品牌价值

川久保玲的品牌Comme?des?Garcons也有着独特而疯狂的魅力。“Comme?des?Garcons是基于创作和无止尽探索新事物的理念上成立的。它永远无视规则和既定规范。”川久保玲是这么说。同时也正是因为她这既严谨又随意，自由不羁又不失传统之美的价值观，才会使她有大批信徒对她趋之若鹜。?川久保玲的设计独创风格十分前卫,融合东西方的概念,被服装界誉为“另类设计师”。她的设计正如其名,独立、自我主张——只要我喜欢,有什麼不可以。这也是我最喜欢她的一点，特立独行，将日本典雅沉静的传统、立体几何模式、不对称重叠式创新剪裁,加上利落的线条与沉郁的色调,与创意结合,来呈现出很意识形态的美感。

参考文献：

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川久保,?玲子.?佐波子编集长のフロントランナー女子会?东燃ゼネラル石油?川久保玲子氏(56)?执行役员?広报渉外统括部长?2児连れ米国赴任?何とかなるだろうと[J].?周刊朝日,?2015,?120.

三宅一生在东京念大学，学的是绘画，但是他真正的梦想是成为一个时装设计师，他到了时装之都巴黎继续求学，并且开始为纪拉罗歇公司服务纪梵希一起工作。不久，他又为纽约的高夫菜比恩工作，这位设计师是优雅派的大师。三宅一生的时装一直以无结构模式进行设计，摆脱了西方传统的造型模式，而以深向的反思维进行创意。翻开、揉碎，再组合，形成惊人奇突的构造，同时又具有宽泛、雍容的内涵，这是一种基于东方制衣技术的创新模式。三宅一生品牌的作品看似无形，却疏而不散。正是这种玄奥的东方文化的抒发，赋予了作品以神奇魅力。

据了解，现今，三宅一生已归属著名日本奢侈品品牌-资生堂旗下。另据封面新闻报道，三宅一生设计出的衣服和包包深受一些名人喜爱，比如乔布斯，有句话叫“流水的发布会，铁打的黑色高领衫”。三宅一生-服饰和三宅一生的名望相比，他的经济收益始终是个迷。因为类似的消息总是在神秘之可以知道的是，光是“我要裙皱”的品牌线，就售出了68万件外套，每年约有21万件其他系列的衣服在全世界售出。

他的时装一直以无结构模式进行设计，摆脱了西方传统的造型模式，而以深向的反思维进行创意。他最大的成功之处就在于“创新\"，巴黎装饰艺术博物馆馆长戴斯德兰呈斯称誉其为“我们这个时代中最伟大的服装创造家”，他的创新关键在于对整个西方设计思想的冲击与突破。欧洲服装设计的传统向来强调感官刺激，追求夸张的人体线条，丰胸束腰凸臂，不注重服装的功能性。

三宅一生的知名度，在服装设计领域的亚洲人里怎么排都前5，全球也能前10。品牌知名度，略小于lv Gucci，但也接近。从对设计界的影响来看 还要再大一点。因为品牌营销本身比较低调，确实在与艺术/服饰/设计领域以外的地方知名度低，投放广告也少。价格并不亲民。毕竟也算奢侈品。不知道也很正常。喜欢买奢侈品包的，对服装感兴趣的，看过近代艺术史的，琢磨过时装表的，应该都知道这人。某宝上搜过设计感衣服的，淘宝上花钱多被推送的，大概也会见过这人名字。一线城市三宅一生的包在大商场里也不算不常见，走一次看见一两个很容易。

三宅一生没有什么辱华台独港独言论。缺少事实证明，而且存在明显的编造痕迹。时间点集中，修改集中，话术统一且没有证据。属于网络小将和没有判断能力的人的谣言。三宅一生的品牌进入中国市场完全没有阻力。至于突然被修改的百度百科，在三宅一生死亡后借热度编造假新闻的不良媒体，都会被钉在耻辱柱上。三宅一生的母亲在原子弹爆炸中受伤，战后过了几年就去世了。三宅一生的童年时代，日本还是一个贫穷和满目疮瘦的国家，美国占领期间给日本带来的西式时尚：玛丽莲·梦露、米老鼠、电视和速冻食品，都给儿时的他留下了深刻的印象。

而三宅一生则另辟蹊径，重新寻找时装生命力的源头，从东方服饰文化与哲学观照中探求全新的服装功能、装饰与形式之美。在造型上，他开创了服装设计上的解构主义设计风格。借鉴东方制衣技术以及包裹缠绕的立体裁剪技术，在结构上任意挥酒，任马由缨，释放出无拘无束的创造力激情，往往令观者为之膛目惊叹。在服装材料的运用上，三宅一生也改变了高级时装及成衣一向平整光洁的定式，以各种各样的材料，如日本宣纸、白棉布、针织棉布、亚麻等，创造出各种肌理效果。

对于他来说，没有任何服装上的禁忌。他使用任何可能与不可能的材料来织造布料，他是一位服装的冒险家，不断完善着自己前卫、大胆的设计形象。三宅一生的设计直接延伸到面料设计领域，将自古代流传至今小的传统织物，应用了现代科技，结合他个人的哲学思想，创造出独特而不可思议的织料和服装，被称为“百料魔术师”。

在我年轻的时候，普经看过一些三宅一生的作品。服装独特的风格，那种现代感和雕塑感，很震德。这是一个将服装设计上升到“艺术”的设计大师，保持了独特的风格、辨识度。也超越了自身的民族与文化。当然，现在市场上，更有名的是“一生之水。”，一款“水香”独特的香水，也保持了独特的风格，隽永清冽。

三宅一生的服装，是成为视觉无法忽视的人群中的地标。三宅一生的香水，则充盈嗅觉所及的空间，甚至无法消散。在视觉和嗅觉两个领域占据了整个空间。感官冲击，无与伦比。在一个以“变化”和“时尚\"为名的圈子里，一生保持着这一条线，将一个风格不断推进，确实了不起。三宅一生被认为是一位服装设计师，但是更恰当的评价，其实应该是一位现代艺术大师和雕塑家。三宅一生的很多服装设计作品，是可以纳入到“软雕塑。”范畴的。

从已经融入大家日常生活的BaoBao包、“一生褶”到广为人知的乔布斯套头衫、“一生之水\"我们称他为日本著名时装设计师，实际上，他不仅仅是时装设计师，也并不固于日本的范畴，他引领着一众日本设计师，像一把日本武士长刀，在西方设计语言的世界里劈开了一道裂痕--他们不接受过去泛滥于巴黎时装秀的复兴主义和流行文化，而是用薪新独特的创造力和表现方式，挑战了时尚圈的既有观念。

在如今全球经济强权和文化权威的竞合舞台上，经济竞争和文化认同有如表象和内里一样休威相关，三宅一生。作为一名日本设计师，在西方主导的时尚产业中，用科技和美学为日本抢占了一席之地，打破了巴黎等西方对国际市场产业的垒断，这是我心中可敬并应俯身学习的先师。